Pendant la majeure partie de l'année, le Château de Malleret fonctionne comme n'importe quel autre vignoble bordelais. Chaque printemps, l'équipe du château réorganise les dizaines de barriques à vin à l'intérieur des caves, et celles-ci s'ouvrent sur des murs de pierre blonde et des poutres apparentes. L'architecture imprègne l'espace avant même l'installation des œuvres d'art.
Niché dans le Médoc, à Bordeaux, ce domaine historique produit une gamme de vins. Sa cave est conçue par le célèbre architecte français Sylvain Dubuisson, dont la précision géométrique caractéristique définit le caractère saisissant du lieu.
Le 19 mai 2026, les peintures de Tiffany Bouelle investiront cet espace. L'exposition commence sous vos pieds, avec une fresque complexe de plus de 19 mètres de long, déployée sur le sol de la cave, telle une allée guidant les visiteurs à travers une succession de salles.
Conçue en collaboration avec la commissaire d'exposition Yoyo Maeght, l'installation met en regard les œuvres plus anciennes de Bouelle et certaines de ses créations plus récentes, dont le grand triptyque Minab. Bouelle a créé cette œuvre en 2026 après une attaque contre une école de la ville iranienne de Minab qui, dit-elle, a laissé « une profonde cicatrice dans la mémoire de ce lieu ». Le triptyque a également été inspiré par Guernica, une huile sur toile de Pablo Picasso, largement considérée comme l'une des œuvres antimilitaristes les plus puissantes de l'histoire de l'art.
« Les peintures portent la mémoire d'une ville », explique Bouelle. « Elles transforment la tragédie en une image collective indélébile. »
Cette artiste parisienne de 33 ans perçoit la peinture comme un moyen de donner un sens aux expériences qui façonnent son quotidien. Son travail est lié à son identité culturelle métissée (d'origine franco-japonaise) et explore la tension entre les émotions qu'elle ressent et les récits qu'elle se raconte. Elle décrit son art, de manière abstraite, comme façonné par « l'obsession, l'abondance et l'information ».
Autrement dit, elle transforme les expériences de la vie en formes visuelles et en mouvement.
Outre la peinture, Bouelle crée également des performances artistiques. Sa première exposition personnelle a eu lieu en 2019 à la foire d'art Asia Now, en collaboration avec la galerie Tokoïte. Elle a également étendu son langage visuel à des installations in situ, en collaborant avec des maisons telles qu'Hermès et Chanel Beauté. En 2025, Hermès a exposé dans sa boutique de la rue de Sèvres à Paris une sculpture de cheval peinte à la main par Bouelle – réalisée en washi, en bois et en couches de peinture. La même année, elle a conçu une performance de deux heures au Musée Bourdelle à Paris, durant laquelle elle a peint une œuvre de grande envergure sur scène, entourée d'un public attablé à de longues tables nappées de textiles peints à la main.
En mai prochain, le travail de Bouelle sera présenté à la Biennale de Venise, l'une des plus importantes expositions d'art au monde. Ses peintures explorent les thèmes familiers du geste – exprimé par le mouvement physique qu'elle effectue lors de la création d'une œuvre – et de la mémoire comme forme de survie. Son travail au pinceau s'inspire des traditions de la calligraphie japonaise.
« Ma pratique s’enracine dans la spontanéité du geste », explique-t-elle.
Ayant grandi à Paris, Bouelle a été attirée par l’art comme moyen d’expression créative. Influencée par son grand-père, elle a développé une passion pour le dessin, la calligraphie et les arts visuels. Jeune adulte, elle a étudié les arts appliqués à l’École Duperré à Paris avant d’élargir sa pratique au stylisme.
Yoyo Maeght est née en France et a grandi entre Paris, Saint-Paul-de-Vence et New York, entourée d’artistes plasticiens. Ses grands-parents, Aimé et Marguerite Maeght, ont fondé la Fondation Maeght et ont collaboré étroitement avec des artistes modernes du XXe siècle tels que Joan Miró et Alberto Giacometti. Cet environnement a façonné son approche des expositions. Plutôt que d’expliquer en détail l’œuvre de l’artiste aux visiteurs, elle laisse place à l’interprétation.
Après avoir assisté, enfant, aux vernissages et aux réceptions organisées par sa famille, Yoyo Maeght a appris à « ressentir l’artiste », dit-elle, plutôt qu’à analyser ou à définir ses intentions. Au cours de notre conversation, elle s'interrompt pour me montrer une photo d'elle à trois ans et demi, lors d'un vernissage. Sur la photo, Pablo Picasso et le poète Jacques Prévert se penchent vers Yoyo Maeght, absorbés, comme si la foule environnante s'était évanouie. Les questions qu'elle se posait enfant l'ont marquée et continuent d'influencer sa démarche artistique.
Plutôt que d'organiser ses œuvres chronologiquement ou thématiquement, Yoyo Maeght les agence selon une « émotion », explique-t-elle, les disposant les unes par rapport aux autres de manière à ce que chacune modifie la perception des autres.
« Le mystère d'une œuvre est important », affirme-t-elle.
Cette approche intuitive a guidé sa décision de présenter le travail de Bouelle au Château de Malleret. Elle voyait dans ce lieu un espace à la forte présence, capable d'accueillir l'œuvre de Bouelle sur un pied d'égalité.
« Il faut présenter des œuvres plus fortes que le lieu lui-même », explique Yoyo Maeght.
Après avoir suivi le travail de Bouelle en ligne pendant des années, elle l’a contactée pour la première fois sur Instagram. Leur collaboration s’est développée progressivement au fil des échanges. L’année dernière, elles ont discuté de la possibilité de présenter les œuvres de Bouelle dans les caves du Château de Malleret.
Yoyo Maeght a remarqué l’évolution visuelle des peintures de Bouelle, tant dans la forme que dans le sujet, au fil des ans. Plutôt que de partir d’une idée préconçue de son travail actuel, elle s’intéressait à l’évolution de sa voix artistique : « d’où elle vient et où elle souhaite aller ».
Ces derniers mois, Bouelle et Yoyo Maeght ont travaillé ensemble à Paris pour concevoir la manière dont les peintures seront perçues au sein du château. Elles ont soigneusement élaboré la séquence de présentation des œuvres et déterminé leur emplacement dans l’espace. Il en résulte une installation qui permet à l’œuvre de Bouelle de s’adapter à l’architecture et à l’agencement du site. Ou, comme le dit Yoyo Maeght, Bouelle « doit trouver un équilibre entre le lieu et son œuvre ».
La collaboration reste fluide. Le duo réfléchit encore à l'emplacement et à l'ordre d'exposition des œuvres de Bouelle. « Nous travaillons actuellement sur des maquettes 3D », explique-t-elle. L'orientation générale de Bouelle demeure constante, mais sa collaboration avec Yoyo Maeght l'a amenée à réfléchir attentivement à l'influence de l'immensité du château sur l'emplacement des œuvres et la circulation des visiteurs dans la cave.
Bouelle souhaite travailler au sein de cet espace immense plutôt que de le transformer. Le jour du vernissage, elle réalisera sa fresque au sol lors d'une performance en direct.
Pour Yoyo Maeght, le commissariat d'exposition est une forme de médiation. Elle souhaite que les visiteurs se forgent leur propre interprétation de l'œuvre. « Je n'essaie pas d'expliquer », dit-elle. « Je propose au public. »
Dans le cadre de l'exposition, Bouelle créera également une grande sculpture représentant une vague, suspendue au-dessus des visiteurs dans la cave. Elle me le décrit par Zoom en brandissant une feuille de papier blanc et en lui donnant la forme d'une vague. L'œuvre incitera les visiteurs à lever les yeux en parcourant la cave.
Contrairement à une galerie urbaine, le château exige des visiteurs qu'ils se déplacent depuis Bordeaux. Le bâtiment lui-même se distingue du réseau de musées et d'espaces d'exposition où les visiteurs passent rapidement d'une salle à l'autre. L'exposition de Bouelle est conçue pour donner du sens à ce déplacement en invitant à une contemplation plus lente – ou, comme l'explique Yoyo Maeght, c'est « comme une promenade, et il faut bien arriver quelque part ».
Bouelle relie cette idée artistique à une réflexion plus large sur la façon dont les êtres humains interagissent aujourd'hui avec les images. « Nous passons notre vie à faire défiler des images de vêtements et d'événements sur nos écrans », dit-elle. À l'inverse, elle espère que l'exposition du château offrira aux visiteurs l'occasion d'observer l'art de plus près, sans distraction. Elle souhaite qu'ils repartent avec le sentiment d'avoir vécu une expérience unique.
« Suspendre le temps grâce à une peinture », dit-elle, « serait un accomplissement remarquable. »
For most of the year, Château de Malleret operates like any other vineyard in Bordeaux, France. Each spring, the château’s team rearranges the dozens of wine barrels inside, and the cellars open up to reveal blond stone walls and exposed beams overhead. The architecture swallows the room before any artwork is even installed.
Nestled in the Médoc region of Bordeaux, the historic estate produces a range of wines. Its cellar is designed by renowned French architect Sylvain Dubuisson, whose signature geometric precision defines the property’s striking character.
On May 19, 2026, Tiffany Bouelle’s paintings will enter this space. The exhibition begins beneath your feet, with an intricate mural spanning over 19 meters, sprawled across the cellar floor, resembling a trail that guides visitors through a series of rooms.
Developed in collaboration with curator Yoyo Maeght, the installation places Bouelle’s older works alongside some of her newly produced art, including the large triptych Minab. Bouelle created the piece in 2026 after an attack on a school in the Iranian city of Minab that, she says, left behind “a deep scar in the memory of a place.” The triptych was further inspired by Guernica, an oil painting by Pablo Picasso, widely regarded as one of the most powerful anti-war works in art history.
“Paintings carry the memory of a city,” says Bouelle. “It transforms tragedy into a collective image that cannot be erased.”
The 33-year-old Paris-born artist sees painting as a way of making sense of the experiences that shape her everyday life. Her work is connected to her mixed cultural identity (French and Japanese descent) and explores the tension between the emotions she feels and the stories she tells herself. She describes her art, in abstract terms, as shaped by “obsession, abundance, and information.”
In other words, she transforms life experiences into visual forms and movement.
Beyond paintings, Bouelle also creates performance art. Her first solo presentation took place in 2019 at the Asia Now art fair with the Tokoïte Gallery. She’s also extended her visual language into site-specific installations, collaborating with houses such as Hermès and Chanel Beauty. In 2025, Hermès displayed Bouelle’s hand-painted horse sculpture — made from washi, wood, and layered paint — in its boutique on Rue de Sèvres in Paris. That same year, she curated a two-hour show at the Musée Bourdelle in Paris, during which she painted a large-scale piece on stage, surrounded by an audience sitting at long dinner tables draped with hand-painted textiles.
This May, Bouelle’s work will be featured at the Venice Biennale, one of the world’s leading international art exhibitions. Her paintings explore familiar themes of gestures — expressed through the physical movement she makes while creating a piece — and memory as a form of survival. Her brushwork draws from Japanese calligraphy traditions.
“My practice is rooted in the spontaneity of gesture,” she says.
Growing up in Paris, Bouelle was drawn to art as a creative expression. Influenced by her grandfather, she developed a passion for drawing, calligraphy, and the visual arts. As a young adult, she studied applied arts at the École Duperré in Paris before expanding her practice into styling.
Maeght was born in France and grew up between Paris, Saint-Paul-de-Vence, and New York, surrounded by visual artists. Her grandparents, Aimé and Marguerite Maeght, founded the Fondation Maeght and worked closely with twentieth-century modern artists like Joan Miró and Alberto Giacometti. This environment shaped Maeght’s approach to exhibitions. Instead of overly explaining the artist’s work to viewers, she leaves room for interpretation.
After attending her family’s gallery openings and gatherings as a child, Maeght learned to “feel the artist,” she says, rather than analyze or define their intentions. During our conversation, she pauses to show me a photograph of herself at three-and-a-half years old, standing at an exhibition opening. In the photo, Pablo Picasso and poet Jacques Prévert lean in toward Maeght, fully engaged, as if the surrounding crowd had fallen away. The questions she asked as a child stayed with her and continue to inform how she works today.
Rather than organizing works chronologically or thematically in an exhibit, Maeght arranges them according to “feeling,” she says, placing pieces in relation to one another so that each alters how the other is seen.
“The mystery of a piece is important,” she says.
This intuitive approach guided her decision to showcase Bouelle’s work at Château de Malleret. She saw the château as a space with a strong presence that could effectively meet Bouelle’s work on equal terms.
“You need to bring over pieces of work stronger than the place,” Maeght explains.
She first reached out to Bouelle on Instagram after years of following her work online. Their collaboration developed gradually through conversation. Over the past year, the pair then talked about presenting Bouelle’s work at the Château de Malleret’s cellar.
Maeght noticed how Bouelle’s paintings had visually changed in both form and subject over the years. Rather than starting from a fixed idea of Bouelle’s current work, she was interested in the development of Bouelle’s artistic voice — “where she’s coming from, and where she wants to go.”
For the past few months, Bouelle and Maeght have worked together in Paris to shape how the paintings will be experienced within the château, carefully developing the sequence in which the works unfold and determining the placement of her pieces throughout the space. The result is an installation that allows Bouelle’s work to adapt to the site’s expansive architecture and layout. Or, as Maeght puts it, Bouelle “has to win the war between the place and her work.”
The collaboration has remained fluid. The pair is still deciding where Bouelle’s artwork will appear and in what order. “We are currently working on 3D models for the placement,” she says. Bouelle’s overall direction has remained consistent, but working with Maeght has led her to think carefully about how the château’s large scale affects both the art’s placement and visitors’ movement across the cellar floor.
Bouelle wants to work within the massive space instead of trying to transform it. On opening day, she’ll create her mural on the floor during a live performance.
For Maeght, curation is a form of mediation. She wants viewers to form their own understanding of the art. “I don’t try to explain,” she says. “I propose to the public.”
As part of the exhibit, Bouelle will also construct a large wave sculpture, suspended above visitors in the cellar. She describes it to me over Zoom by holding up a piece of white paper and shaping it into a wave. The piece will encourage viewers to look upward as they move through the cellar.
Unlike a city gallery, the château requires visitors to travel some distance from Bordeaux. The building itself is set apart from the network of museums and exhibition spaces where visitors move quickly from one room to the next. Bouelle’s exhibition is designed to make that journey feel worthwhile by inviting a slower way of looking — or as Maeght explains, it’s “like a walk, and you have to arrive somewhere.”
Bouelle connects this artistic idea to a larger philosophy on how humans today interact with images. “We spend our lives scrolling through images of garments and events on our screens,” she says. In contrast, she hopes the château exhibition will offer visitors a chance to look more closely at art, and without distractions. She hopes visitors leave with a feeling of having experienced something rare.
“To suspend time through a painting,” she says, “would be a remarkable achievement.”